El cine en el Perú

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 Cuzco aparece lo que se vino en llamar la Escuela Cuzqueña de Cine, fundada por los fotógrafos En Victor y Manuel Chambi.

  Filmaron películas como Corpus del Cusco, Santuranticuy, Carnaval de Kanas y Qouyllur Rity. Largo metrajes importantes de esta escuela son Jarawi y Cuculi.

  En 1966, después de una fructífera producción,  esta escuela desapareció definitivamente.

En 1962 se promulgó otra ley, la 13936, que liberaba de todo tributo la exhibición de largometrajes producidos en el Perú por empresas nacionales.

A partir de los años sesenta surge un director nacido en Nueva York, Armando Robles Godoy que con sus películas personalistas y provocativas se colocó en el centro del debate con Ganarás el pan (1965) y En la selva no hay estrellas (1967), que fueron sus dos primeras producciones, las que reafirmaron su personalismo en el cine. 

En 1970 estrenó La muralla verde.

  Robles Godoy y Franklin Urteaga, presidente de la Asociación de Productores Cinematográficos durante el gobierno militar de Velasco Alvarado, defendieron la promulgación de la ley 19327.

   Hasta la fecha el mejor y más completo dispositivo legal para promover el cine nacional.

  La nueva ley de cine permitió el estreno de los primeros largos acogidos a este incentivo legal.

 

  Estación de amor de Oscar Kantor y Allpa Kallpa, la fuerza de la tierra, de Bernardo Arias.

El corto peruano se convirtió en un cuello de botella al atiborrarse con producciones que, buscando simplemente el negocio cinematográfico, era de una escasa calidad y con temas que fueran del gusto para ser aprobados por el gobierno militar.

  Por esos años que se funda la Asociación de Cineastas del Perú, con la finalidad de proponer soluciones a los problemas que se empezaron a derivar de la aplicación de la ley 19327.

En octubre de 1994 se promulgó una nueva ley de cine, la 26327, y en mayo del año siguiente se dio el respectivo reglamento.

  Entre sus principales disposiciones, estableció el Consejo Nacional de Cinematografía (CONACINE), que fue instalado en enero de 1996. 

CONACINE tiene una serie de funciones, siendo las más importantes:

  Fomentar la producción cinematográfica, promover la difusión de nuestro cine, preservar nuestro patrimonio audiovisual, promover la enseñanza del lenguaje cinematográfico y realizar Concursos Cinematográficos.

Sin embargo, aunque el panorama del cine peruano sigue siendo incierto, nuestros cineastas siguen luchando y en los últimos años hemos podido apreciar filmes como:

• “El Bien Esquivo” de Augusto Tamayo,

•“D’jango, la otra cara” de Ricardo Velásquez,

•“Ojos que no ven” de Francisco J. Lombardi,

• “Polvo Enamorado” de Lucho Barrios,

•“Un marciano llamado deseo” de Antonio Fortunic,

• “El Forastero” de Federico García,

•“Paloma de Papel” de Fabrizo Aguilar,

•“El destino no tiene favoritos” de Alvaro Velarde,

•“Días de Santiago” de Josué Méndez,

• “Coca Mama” de Marianne Eyde,

• “Flor de Retama” de Martín Landeo,

• “Doble Juego” de Alberto “Chicho” Durant,

• “Piratas en el Callao” – la primera cinta peruana de animación por computadora- de Eduardo Schuldt

•y “Mañana te cuento” de Eduardo Mendoza.

El cine latinoamericano

Los países latinoamericanos fueron recibiendo al cinematógrafo al igual que en resto del mundo, a finales del siglo XIX.

  Las circunstancias  sociales, económicas y políticas marcaron con los años su progreso cinematográfico, en el que tanto tuvieron que ver los promotores españoles, franceses e italianos.

  Muy pronto el mercado de cada uno de los países comenzó a estar controlado por el cine de Hollywood; no obstante, esta situación no impidió que en diversas épocas floreciesen aportaciones que mostraron la singularidad de la producción latinoamericana, que se apoyaría a lo largo del tiempo y en gran medida en la coproducción entre países de habla hispana.

Durante la década de los cuarenta es el cine mexicano el que alcanza una mayor notoriedad internacional gracias a las películas de Emilio “El indio” Fernández  y la presencia de estrellas como Dolores del Río y Pedro Armendariz (“Flor silvestre” y “María candelaria” 1943) y María Felix (“Enamorada” 1946 y “Río escondido” 1948.

  Son los años en los que despunta el actor Mario Moreno “Cantinflas” , quien se encargará de consolidad su popularidad nacional e internacional y arrasar en taquilla durante algunos años con películas como “Ahí está el detalle” (1940) de Juan Bustillo Oro y las numerosas películas que dirigió Miguel M. Delgado como “El gendarme desconocido” (1941), “Sube y baja” (1958), “El padrecito” (1964).

A partir de los setenta su director más internacional será Arturo Ripstein con películas como “Cadena perpetua” (1978), “Principio y fin” (1992), “La reina de la noche” (1994) premiado en diversos festivales internacionales.

Entre otros títulos recientes tenemos: “Bajo California, el límite del tiempo” de Carlos Bolado, “Amores perros” de Alejandro Gonzales Iñárritu, “El espinazo del diablo”(2001) y “El laberinto del fauno”(2006) de Guillermo del Toro, “Luz silenciosa” de Carlos Reygadas.

El cine argentino se sostiene con dificultad  sobre las películas de Lucas Demare (“La guerra gaucha” 1942), Luis César Amadori (“Santa Cándida” 1945), etc. y actrices como Libertad Lamarque.

  En las décadas siguientes destacan directores como Héctor Oliveira con “La Patagonia rebelde” (1974) y  “No habrá más penas ni olvido” (1983); así como Adolfor Aristarain  con “Tiempo de revancha” (1981), “Martín Hache” (1997), Fabián Bielinsky con “Nueve reinas” (2001) y Juan José Campanella con “El hijo de la novia” (2001) los que proyectarán la producción argentina hacia el exterior.

El director Juan José Campanella se llevó el Oscar a mejor película extranjera en 2010 con “El secreto de sus ojos”.

El nuevo cine alemán

Es el nombre que recibe el periodo cinematográfico alemán comprendido entre las décadas de 1960 y 1980.

  Algunas de sus características son los largos travellings y los planos de larga duración con los que se trabaja la improvisación actoral.

  Posee una mirada naturalista parecido al de la nueva ola francesa, aunque con radicales diferencias.

  Los movimientos estudiantiles y los cambios que se producen en el teatro y la literatura se derivan  hacia el cine por medio de los jóvenes directores de cortometrajes, y en 1962 proclaman un manifiesto en el Festival de cortos de Oberhausen.

  Este manifiesto, que lleva el nombre de festival, declara que el futuro del cine depende de los realizadores que demuestren utilizar el nuevo lenguaje de cine formado en escuelas cinematográficas y en la experimentación del corto metraje y declaran construir un nuevo cine alemán sobre el viejo que ha muerto.

Los principales representantes fueron:

Volker Schlóndorff  (1939)

Trabajó como asistente de dirección de la nueva ola francesa. Fue ayudante de Resnais, Melville y de Louis Malle.

Su cine ahonda en los conflictos que se producen por el enfrentamiento de sus personajes, y se caracterizan por adaptar numerosas novelas de la rica tradición germana.

Su cine posee siempre una puesta en escena muy controlada, un relato riguroso y un análisis histórico acompañado de reflexión humana ante los conflictos expuestos .

Adaptó para el cine “El tambor de hojalata” de Gunter Grass, Oscar a la mejor película de habla no inglesa y la Palma de Oro en el Festival de Cannes.

Rainer Werner Fassbinder  (1945 – 1982)

  Se caracteriza por su influencia teatral, la preocupación por la forma, un sello personal de autor, conseguido gracias a que trabaja siempre con el mismo equipo técnico y artístico, y un enfoque centrado en los conflictos humanos y en las relaciones de dominación. Entre sus obras más sobresalientes están, entre otras: “El matrimonio de María Brown” (1978) y “Querelle” (1982).

La soledad, el miedo, la desesperación, la angustia, la búsqueda de la propia identidad y la aniquilación del individuo por los convencionalismo, el amor no correspondido, la felicidad soñada y el deseo tortuoso, etc. son los grandes temas del cine de Fassbinder, en el que casi siempre tendrá un protagonismo especial la mujer, figura que le servirá de excusa para plantear diversas fórmulas de emancipación femenina  y poder representar a la mismísima nación alemana en sus filmes sobre la era Adenauer a través de tres heroínas: María Braun, Lola y Verónica Voss.

El cine independiente

Una película independiente es una película que ha sido producida fuera de los grandes estudios cinematográficos. Por lo general es la producción de bajo presupuesto de una productora pequeña.

Se sabe que la actual industria del cine está constituida por las que fueron en sus inicios compañías independientes, pero que ahora  han esquematizado el sistema de producción del cual intenta apartarse el cine independiente actual.

El término cine independiente  ha sido explotado como un “género” por las distribuidoras a fin de comercializar sus productos.

Son incontables los festivales de cine independiente como el Festival de Cine de Sundance o los Independent Spirit Awards.

El pionero del cine independiente fue el director norteamericano John Cassavettes (1929 -1989). Su primera película “Shadows” (1959) fue rechazada por los productores de Hollywood; por lo que acudió a la solidaridad de familiares, amigos y oyentes de radio.

Una vez lista la película las distribuidoras americanas se negaron comercializarla. Cassavettes la envió a festivales de Europa, donde obtuvo el premio de la crítica en el Festival de Venecia.

Cassavettes resultó ser el máximo exponente del cine independiente y el “auteur” más importante de Norteamérica en esa época.

Las producciones independientes han estado siempre alejadas de las grandes superproducciones de Hollywood; no obstante, Europa es el continente más involucrado en este tipo de cine.

El término también suele aplicarse a determinadas películas producidas en países donde no existe una industria cinematográfica propiamente dicha.

La nueva ola francesa

Jean Pierre Melville es uno de los cineastas que iniciaron la renovación del cine francés. Su cine negro sirvió de inspiración.

“Le samurai” se hizo dentro de este periodo pero en realidad él nunca perteneció a la Nueva Ola, aunque fue uno de sus principales precursores.

La Nueva Ola se enmarca en su búsqueda de forma y fondo, para superar las antiguas argumentaciones en que había caído el cine francés de los años cincuenta.

En este grupo se impone la libertad creadora y el llamado cine de autor, donde el director es el maestro principal del filme y que por tanto, debe llevar su maraca estilística.

La Nueva Ola propone un cine realista y fresco que mostrase la vida cotidiana y que no requiriese de grandes presupuestos económicos.

Para Bazin el realismo en el cine era connatural al carácter automático y mecánico de la reproducción cinematográfica.

Las películas que más se aproximaban a la esencia del cine eran las que reducían al mínimo las intervenciones manipuladoras y artificiales.

Las primeras y más claras consecuencias que deja la Nueva Ola es que todo el cine de autor posterior a la década de los sesenta es herencia declarada de este suceso transgresor de la historia del cine, cuya revolución tuvo sus réplicas en todo el mundo.

Neorrealismo italiano

FuFue un movimiento cinematográfico surgido en Italia durante la posguerra de la Segunda Guerra Mundial, cuyos principales representantes fueron Roberto Rossellini, Luchino Visconti y Vittorio de Sica

tramas ambientadas por la clase pobre y trabajadora (clase proletaria); escenarios reales (y generalmente exteriores).

 actores no profesionales.

 situaciones relacionadas a la economía y a la moral de la posguerra, así como exposición de sentimientos de frustración, pobreza y desesperación. Vale decir que esta “veracidad” también se refleja, en algunos casos, en la utilización del plano secuencia que confiere a una situación planteada la sensación de transcurrir en un tiempo real.

El cine surrealista

Es un movimiento artístico y literario surgido en Francia en 1919 entorno a la personalidad del poeta André Bretón.

  Bretón define el movimiento surrealista como un automatismo psíquico puro por el cual se propone expresar con la palabra escrita, hablada  o de otra manera el pensamiento en ausencia de todo control de la razón, estética o moral.

Las primeras referencias de surrealismo están vinculadas al experimentalismo formal, filmes de esta línea fueron “Rhythmus 21” (1921) de René Clair  y Francias Picabia y “Le coquille et le clergyman” (1928) de Germaine Dulac.

  Buñuel y Dalí escribieron el guión de “Un perro andaluz” (1929), película que se presenta como paradigma de la corriente establecida por Bretón.

El cine expresionista alemán

Es uno de los movimientos fundamentales en la historia del cine arte.

  “Gabinete del doctor Caligari” (1919) –filme expresionista por antonomasia - de Robert Wiene o “Metrópolis” de Fritz Lang constituyen sus principales exponentes.

Luego de las experiencias de la Primera Guerra Mundial, surge el movimiento cultural más importante de Alemania de esa época que abarca todas las artes, entre ellas el cine.

Su principal característica es que se opone al naturalismo poniendo, más bien, énfasis en lo subjetivo.

Cine musical

Es un género cinematográfico que introduce escenas donde los actores cantan mientras la historia avanza coreográficamente.

Rompe con la lógica de la verosimilitud con una destreza mayor a la de cualquier otro género. 

Con la irrupción del cine sonoro pudo ser posible el nacimiento de este nuevo género.

En 1927 se estrenó la primera película parcialmente sonora “El cantante de jazz” de Alan Crossland.

El público quedó encantado con la nueva técnica. 

En 1929 “Melodías de Brodway de Harry Beaumont, ganó el Oscar a la Mejor Película con el que Hollywood abría sus puertas a las nuevas películas musicales.

Con la irrupción de Fred Astaire y Ginger Rogers, de la productora RKO, el género alcanzó su cotas más altas. Títulos como “Sombrero de copa” (1935) o “En alas de la danza” (1936) son clásicos indiscutibles.

En los 40 surge Gene Kelly quien como actor, bailarín, coreógrafo, productor y director revolucionó el género musical para siempre.

Junto a Stanley Donen nos regaló películas como la inolvidable “Un día en Nueva York” (1949).

En loa años 50 destacan realizaciones como  “El rock de la cárcel” protagonizada por Elvis Presley, “Alta Sociedad” con Frank Sinatra y la inolvidable “Cantando bajo la lluvia” con Gene Kelly, posiblemente el musical más famoso de la historia.

En los sesenta  a pesar de grandes títulos como “West Side Story” o “My Fair Lady” la taquilla de películas de este género empieza a bajar. En los setenta el público ya no gusta de los musicales.

Aún entonces surgen producciones como “Jesucristo Superstar” (1973) de Norman Jewinson, “Nace una estrella” (1976) con Barbra Streisand, “Grease” (1978) y “Hair” (1979) de Milos Forman.

“Rocky Horror Picture Show” (1975) película extravagante hoy considerada de culto.

En los 80 y 90 Alan Parker dirigió algunos títulos como “Fama” (1980) o “Evita” (1996).

En dibujos animados los estudios Disney produjeron lo que podría ser la mejor película musical en este formato “La Bella y la Bestia”.

Los éxitos  de “Moulin Rouge” (2001) “Chicago” (2002) o “El Fantasma de la Ópera” (2004) han revitalizado un género que llevaba muchos años fuera de los despachos de los grandes estudios.

“Sweeney Todd. El Barbero diabólico de la calle Fleet” de Tim Burton (2008) es un ejemplo de la flexibilidad de este género.

El cine sonoro

  

  —Se usaban discos gramofónicos.(Tenía problemas de desincronización).

—  Vitafhone: Superó las dificultades de los discos gramofónicos.

—  La primera obra sonora de la historia del cine “El Cantante de Jazz”, dirigida por Alan Crossland    e interpretada por el cantante Al Jolson.

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  Se estrenó en el teatro Warner de Nueva York, el 6 de octubre de 1927.

El color en el cine

Laspelículas de  color han existido desde comienzos del cine gracias al procedimiento artesanal de pintar cada fotograma.

Maxwell demostró en 1861 el principio de la tricotomía que Ducos du Hauron aplicó en 1868 a la fotografía.

Diez años más tarde se puso superponer las tres emulsiones necesarias para reproducir los colores de una misma película.

El primer sistema patentado de cine en color es el Kinemacolor que se basaba en el principio de la bicronomía, fue registrado en 1906 por G.A. Smith y Charles Urban.

El primer procedimiento que alcanzó renombre mundial fue technicolor, fruto de los trabajos iniciados en 1914 por los ingenieros Herbert Kalmus, Daniel Frost Comstock  y W. B. Westcott en Massachusetts.

       Su primera edición se trataba de un sistema bicrómico de dos películas de colores complementarios que se conocieron en el cine comercial con “The Toll of The Sea” (1922) de Charles M. Franklin.